Празднуя день кино: Фильмы которые стоит посмотреть каждому

Много лет назад (а точнее 123 года назад) братья Люмьер провели первый платный киносеанс в парижском «Гранд-кафе», чем изменили ход истории и создали новый медиум.

На игле (1996)

Прежде всего, я не очень люблю локализованное название фильма «На игле», тогда как оригинальная Trainspotting - это интересная отсылка к любителям «ловить» поезда на железнодорожных станциях и записывать их номера. У главных героев есть свое специфическое хобби, которое в определенный момент маскируется под трейнспоттинг, - вкалывать в вены героин и проводить свои дни в наркотическом головокружении. Знаменитый монолог «Choose life» Юэна МакГрегора уже можно считать классикой. Это кино о смене эпох, проиллюстрировано соответствующей музыкой и соответствующими наркотиками. Это болезненный портрет Британии в эпоху кризиса 90-х. Саундтрек к этому фильму войдет в список лучшего, что произошло с поп-культурой в конце ХХ века.

Этот фильм показывает, как формировался авторский почерк Дени Бойла с его контрастными цветами, радикальным нарушением правила разделения экрана на трети и, конечно, фирменным голландским углом, который в дальнейшем будет появляться буквально в каждом его фильме. А еще Бойл мастерски овладел здесь клиповым монтажем а-ля MTV, который у него впоследствии подхватят Баз Лурман и Гай Ричи. Это страшное кино, потому что ни разу не романтизирует наркоманов. Местами оно откровенно противное.


Дитя человеческое (2066)

Выбирая кино, я склонен не придавать большого значения истории, зато по-настоящему восхищаюсь методами, которые выбирает режиссер чтобы эту историю рассказать. По сюжету в 2009 году на Земле перестали рождаться дети, а до 2027-го мир потерял остатки его устройства. Только Англия с колючей проволокой, бодрыми новостями Би-би-си, жестким антимиграционным законодательством более-менее сохранила лицо. Демографический коллапс, информационные войны, зона карантина - «Дитя человеческое» озвучивает приговор населению планеты Земля и не сулит ничего приятного.

Впрочем этим кино трудно не восхищаться - такой искусной безмонтажной съемкой и классно освоенной субъективной камерой (когда оператор не держит в поле зрения только протагониста, а склонен задерживаться и брать в фокус бэкграунд) я давно не видел. Оператором здесь выступил Эмануэль Любецкий, и это, по моему мнению, лучший пример его очень продуманного сочетания реализма и плавной «поэтической» камеры. Здесь еще очень хорошо видно масштаб Альфонсо Куарона как художника - от абсолютно очевидных аллюзий на Новый Завет и дарвиновскую теорию происхождения людей с африканского континента, до плакатной метафизики и документального, или даже репортажного стиля съемки динамичных сцен, в которых на объектив попадают капли крови. Действие в этих сценах настолько поглощает зрителя, что вытереть эти капли крови даже времени нет.


Любовное настроение (200)


Изысканный, элегантный и печальный фильм, рассказанный чрезвычайно искусно. Действие происходит в Гонконге в 60-х. Незнакомые мужчина и женщина, которые живут в соседних комнатах в одном доме, узнают, что их половинки предают им друг с другом. Так Су и Чоу будучи чрезвычайно одинокими, становятся постепенно близки друг другу и подвержены этому эфемерному чувству, что соединило их и превратилось в любовь. У фильма прекрасный оператор Кристофер Дойл. Большинство сцен с главными героями сняты с приемом double framing, где рамка операторской камеры дополнена еще одной внутренней рамкой, вписанной в сеттинг - окна, дверные проемы, арки, зеркала. Решение является метафорой того, что Су и Чоу находятся под постоянным наблюдением предвзятого социума.

Мне нравится как Карвай ни разу не показал лицо мужа и жены главных героев, они появляются редко и только со спины. Таким образом режиссер держит в фокусе только Су и Чоу. У фильма, который и без того снят в тесных декорациях, появляется очень камерная атмосфера. Это к тому же история, где яркий визуальный стиль Карвена и музыкальное сопровождение доминируют над диалогами. Как результат, перед нами история ПРо «некоммуникабельность» чувств. Если выбирать единственный фильм о любви, я выберу «Любовное настроение» просто потому, что он не скатывается в банальность и пользуется целым рядом классных приемов сторителинга.



Страна в шкафу (1999)

Я долго размышлял, прежде чем включить в список ленту Рады Бхарадвадж - она меня так шокировала в подростковом возрасте, что мне несколько недель было неприятно даже вспоминать о ней. И все же, я придерживаюсь мнения, что настоящее искусство должно выводить нас из зоны комфорта и, прежде всего, вызвать эмоции. Камерная история о детской писательнице (Мэделин Сноу), которая вдруг попадает на строгий допрос неназванного следователя (Алан Рикман в одной из самых мощных ролей за свою карьеру) - прекрасная иллюстрация того, насколько сильные эмоции можно вызвать, используя минимальные средства. Несмотря на то, что на протяжении всего хронометража ленты мы видим только разговор двух людей, «Страна в шкафу» пугает не меньше чем хоррор. Частично за это можно похвалить невероятную игру Алана Рикмана, персонаж которого кажется нам то безжалостным монстром, то сочувственным другом. Но главный козырь фильма - напряженный сценарий, который заимствует идеи Кафки и апеллирует к современным (по крайней мере, относительно) социальным проблемам.

Психологическое насилие - то, что интересует режиссеров только в качестве метафорического подтекста, но Совет Бхарадвадж с головой погружается в эту сложную и неприятную тему. Результат может не понравиться (выдающийся кинокритик Роджер Эберт, например, возненавидел ленту после просмотра), но точно не оставит вас равнодушными. Даже странно, что малобюджетный независимый кинодебют режиссера до сих пор вызывает оживленные обсуждения. Мне кажется, что если бы он вышел позже, публика восприняла бы эту экспериментальную работу намного теплее.


Стена (1982)

Алан Паркер - режиссер, известный своей любовью к необычным и различным проектам: в его фильмографии и хоррор («Сердце ангела»), и семейные драмы («Стреляй в месяц»), и криминальные истории, основанные на реальных событиях ("Полуночный экспресс "). Больше всего режиссер прославился благодаря своей любви к мюзиклам, но даже они в Паркера кардинально разные - «Эвита» адаптирует известную постановку Эндрю Ллойда Уэббера, "Багси Мэлоун" высмеивает ленты про гангстеров, а «Стена» экранизирует один из самых сложных рок-альбомов 70-х. Несмотря на то, что одноименный альбом Pink Floyd имеет нечто вроде линейного повествования и протагониста, музыкантов больше всего интересовал сложный внутренний мир центрального персонажа.

Как можно перенести на экран все психологические травмы антигероя и показать зрителю его искаженное представление? Алан Паркер ушел неожиданным, но блестящим путем - заручился поддержкой Джеральда Скарф, одного из самых влиятельных британских художников-карикатуристов. Благодаря этому мир психически неуравновешенного Пенка (а точнее - гиперболизированные переживания Роджера Уотерса) ожил перед нашими глазами, меняя представление о том, какой может быть анимация. Интересно, что это, безусловно, один из лучших фильмов о рок-музыке, хотя здесь нет ни одной полноценной сцены концерта.




Неприятности с Гарри (1955)

Возможно, «Неприятности с Гарри» - не лучшая лента Альфреда Хичкока, но мне импонирует то, насколько органично король саспенса сочетает легкомысленный сюжет со своим характерным стилем. В Хичкока до этого уже был опыт съемок комедийных картин («Мистер и миссис Смит»), но не очень удачный - настолько, что режиссер затем утверждал, что снял фильм только в качестве личной услуги исполнительницы главной роли. В ленте «Неприятности с Гарри» ощущается специфическое чувство юмора Альфреда - весь сюжет строится вокруг трупа, который загадочным образом оказывается у тихого и приличного американского городка, а композитором выступил сам Бернард Герман.

Один из главных источников шарма ленты - как раз антураж солнечной спокойной Новой Англии и смешные характеры жителей города. Появление труппа становится катализатором их общения - выкапывая и снова закапывая бедного Гарри, они ближе знакомятся, начинают дружить и даже влюбляются, но вообще не драматизируют события. В общем, это пожалуй самый оптимистичный и наиболее жизнеутверждающий фильм о загадочном мертвом незнакомце, который когда-либо сняли.


Розенкранц и Гильденстерн мертвы (1990)

Наверное, это первый фильм, на котором моя репутация «советника кино» существенно пошатнулась. Если к этому все были довольны моими советами, то картина Стоппарда с большинством голосов не резонировала - юмор был странный, в кадре особо ничего не происходило, а в диалоги нужно было вслушиваться. Да еще и говорили в них непонятно что.

Для меня же лента стала билетом в новый мир. Идеально прописаны реплики, невероятная игра молодых Олдмана и Рота, нестандартная адаптация Шекспира - вдруг оказалось, что в кино не нужен бешеный темп и взрывы, чтобы смотреть его на одном дыхании. Сцены с физическими опытами я до сих пор считаю одним из лучших примеров комедии, а над моментом с разбитым горшком я смеюсь даже когда он зациклен в гифку. При этом синефильского опыта здесь очень мало. Стоппард лишь немного расширил рамки своей пьесы, но не далеко ушел от театра. Яркий пример того, как история и диалоги затмевают картинку.



Типа крутые легавые (2007)

Локализовали картину ужасно, но возможно ли вообще локализовать Эдгара Райта? Вторая часть трилогии «Корнетт» напоминает настоящий рай для фаната кино. Здесь и огромное количество аллюзий на классический кинематограф, и бешеные эксперименты режиссера с монтажом и динамикой картины, а также целый набор замечательных актеров, которых используют неизвестно как. Чего стоит только Кейт Бланшетт, которая играет бывшего главного героя, и появляется на 20 секунд и даже не снимает маску. Шарма картине добавляет и британская местность, и неповторимый колорит языка, и многие игры слов и каламбуров, которые стоит слушать в оригинале.

Райт вообще один из моих любимых режиссеров. Все благодаря просто-таки маниакальному вниманию к деталям.


Безумный Макс: Дорога Гнева (2015)

На самом деле, «Макс» мне дорог вовсе не бесконечным экшном или удивительной съемкой почти без спецэффектов. Я просто безумно люблю Джорджа Миллера - за его любовь делать все как-то по-своему. Вы только подумайте - режиссер снял сначала трилогию «Безумного Макса», затем взялся за «Поросенок Бейб» (и получил номинацию от Киноакадемии за лучший фильм), а дальше получил «Оскар» за анимационный фильм про танцующих пингвинов.

Круг замкнулся на «Дороге гнева» - 70-летний врач из Австралии вернулся к старой теме и снял экшн-шедевр, к которому за три года приблизилась лишь «Миссия невыполнима: Фоллаут», да и та только на пушечный выстрел. Четвертый «Макс» особенно интересен своей динамикой, которая не проседает в течение двух часов, хотя гонки на экране временами замедляются. Все благодаря эмоциональному контролю - режиссер умудряется поддерживать в зрителях чувство постоянной тревоги и необходимости спешить, но при этом не истощает, давая время перевести дыхание. Невероятно искусная работа.

При этом Миллер открыт и для технических экспериментов - именно он создал современное «лицо» кино преследований, убрав статическую камеру на обочине, а в «Дороге гнева» отдал монтаж безумного дорогостоящего проекта своей жене Маргарет Сиксел, которая до этого монтировала только вторую часть «Бейба» и анимацию «Делай ноги». Все ради того, чтобы фильм выглядел «не как экшн». Результат - профильный «Оскар». Компания Метры - одна из лучших по строительству загородных домов.